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| ana karina gonzalez huenchuñir |
«Hoy la princesa de Asturias recibe el Toisón de Oro, profundamente arraigado en la historia de España y de Europa». Felipe VI dixit. Ya saben que el pasado martes el monarca español hizo entrega de la mencionada distinción a la princesa Leonor. Otra cosa muy distinta es conocer la apasionante historia de la Orden del Toisón de Oro, que, sorpréndanse, nace lejos de España. En concreto en la ciudad de Brujas, en el año 1430. Como tantos otros elementos surgidos en otro tiempo (y me atrevería a escribir que en otro mundo), su razón de ser se presenta inaprensible para una gran mayoría. Así que, con la venia, haremos comprensible el devenir de este emblema repleto de cambiantes connotaciones políticas y espirituales, también de curiosidades. La ceremonia de imposición del Toisón de Oro en imágenes ¿Sabían que el primer monarca europeo que lució el Toisón de Oro fue Alfonso el Magnánimo? Efectivamente, ni era Borbón (sino Trastámara), ni era rey de España, sino monarca de la Corona de Aragón. No lo consideren un comentario tendencioso. En honor a la verdad, también el actual emperador de Japón, Akihito, o Nicolás Sarkozy engrosan la lista de los más de 1200 beneficiados con un reconocimiento que, muy tardíamente, ha incorporado mujeres. El rey emérito fue quien promovió en 1985 que el collar también lo recibieran féminas. Su nieta es el cuarto caso. En su origen medieval, al tratarse de una orden de caballería, resultaba impensable que las mujeres pudiran lucir el Toisón de Oro. Una iniciativa personal La Orden del Toisón de Oro fue instituida por el Duque de Borgoña y Conde de Flandes Felipe III, llamado el Bueno. Fue el 10 de enero de 1430 en la próspera ciudad de Brujas, en el transcurso de las celebraciones del matrimonio del propio Felipe III de Borgoña con Isabel de Portugal. La nueva institución disponía como fin último la defensa de la fe cristiana, al igual que muchas otras órdenes militares que proliferaban por esa época. Por ejemplo, hacia 1348 Eduardo III de Inglaterra ya había creado la orden de la Jarretera. Algunos años más tarde (1403), el infante Fernando de Castilla, futuro Fernando I de Aragón, instituiría la Orden de la Jarra y el Grifo. Todas y cada una de esas instituciones compartían algunos rasgos comunes. En primer lugar, la exaltación del cristianismo, una circunstancia que provocaba que cada una de esas órdenes se amparase en la protección de un personaje sagrado. En el caso de la Orden del Toisón de Oro, era San Andrés. Estas órdenes pretendían también retomar el ideal caballeresco evocado en canciones de gesta, ciertamente venido a menos en el ocaso de la Edad Media, de ahí que no dudasen en retomar aquellos pasajes que durante siglos habían iluminado la mentalidad de los nobles guerreros ávidos de fama y aventuras: desde la mitología clásica a la leyenda artúrica. En el caso del Toisón de Oro, sus impulsores, con el duque de Borgoña a la cabeza, fijaron su atención en una de las aventuras de la mitología clásica. Jasón obteniendo el vellocino de oro, el cuero de carnero y su lana, en este caso del preciado metal. Una compleja prueba que el héroe tenía que superar para reclamar su trono. Quizá no les resulte familiar, pero para todas las casas reales europeas bajomedievales estas historias estaban a la orden del día. El mismo Jasón fue representado en Valencia en 1402 con motivo de la entrada del rey Martín I el Humano. Ceremonia de entrega del Toisón de Oro a la princesa Leonor.
El extraordinario comportamiento de Jasón había de ejemplificar las acciones de los miembros del Toisón de Oro, quienes debían mostrar todo su valor, en especial luchando contra los infieles, entonces liderados por el todopoderoso peligro otomano. Por otra parte, el objeto en cuestión que daba nombre a la orden, el toisón, rendía homenaje a la ciudad donde nacía la institución, Brujas, capital internacional en la época del comercio de lana. Fue allí donde unos pocos caballeros del círculo más próximo a Felipe III de Borgoña comenzaron a vestir aquel prestigioso distintivo que, sin comportar beneficio económico alguno, sí obligaba a actuar de manera modélica según el código caballeresco. Más allá de los excesos protocolarios y propagandísticos estaban latentes otros intereses: desde la legitimación de poder hasta el establecimiento de redes políticas con las que equilibrar dominios en el continente. Para muestra un botón. Felipe III de Borgoña disponía de gran cantidad de territorios, muchos en contacto con algunos de sus enemigos naturales, como el rey de Francia, quien lógicamente vetaba su expansión. Así que el de Borgoña no dudó en regalarle ese preciado distintivo al monarca que se las hacía pasar canutas al rey francés. Touché. Alfonso el Magnánimo. Fernando el Católico fue caballero de la orden. Su nieto Carlos I, el Gran MaestreSu simbología se asocia al mito griego de Jasón y el vellocino de oro El primer rey europeo que recibió el Toisón de Oro fue Alfonso el Magnánimo Distinción española Tanto los sucesores de Felipe III de Borgoña como los del Magnánimo se esforzaron por mantener los lazos. El collar - inicialmente entregado sólo por la casa borgoñona-, también lo portarían los reyes de la Corona de Aragón Juan II y Fernando II, sí, el Católico, como caballeros de la orden. Sin embargo, la muerte del heredero de Felipe III de Borgoña sin línea sucesora masculina forzó que el título de Gran Maestre recayera en el marido de María de Borgoña, la nieta del fundador del Toisón Oro, quien por su condición de mujer no podía ostentar tal cargo. El esposo agraciado era Maximiliano I de Austria, futuro emperador, quien heredó la licencia para repartir los collares con el Toisón. El denso discurso histórico tiene como objetivo aclarar cómo el Toisón se convirtió en la máxima distinción concedida por la Familia Real española, y créanme, estamos a un paso. El hijo de María de Borgoña y Maximiliano, Felipe (exageradamente llamado el Hermoso), se casaría con Juana la Loca, en un matrimonio que acabaría como el rosario de la aurora pero que dejó dos hijos varones, Carlos I de España y Fernando I de Habsburgo, quienes se convertirían en los nuevos Grandes Maestres. Nacía entonces el inquebrantable vínculo entre la Orden del Toisón y España. Carlos I de España y V de Sacro Imperio Romano Germánico, adalid del catolicismo empeñado en la guerra contra el Turco y contra los protestantes no sólo tenía la sangre borgoñona de quienes crearon la orden, también de la joven monarquía española, que en su parcial precedente aragonés había proporcionado los primeros componentes reales del Toisón. Por si quedaba alguna duda, dos bulas pontificias concedidas a finales del siglo XVI sancionaban que los reyes de España representasen perpetuamente el Gran Maestrazgo del Toisón de Oro, independientemente de la casa a la que pertenecieran, como quedó demostrado tras la guerra de Sucesión española. De hecho, a principios del siglo XVIII, en pleno conflicto entre los partidarios de Felipe de Borbón y el archiduque Carlos, los dos pretendientes al trono español se autoproclamaron grandes maestres de la Orden del Toisón de Oro, retratándose con el ostentoso collar y el broche en forma de carnero. Venció el Borbón, pero la casa austríaca siguió concediendo el distintivo, igual que Felipe V y todos sus sucesores hasta hoy, bueno, de momento hasta el martes, cuando lo recibió Leonor. Por cierto, la ramificación producida dos siglos atrás todavía hoy perdura. Para tal sobredosis histórica no existe mejor antídoto que un buen surtido de anécdotas en torno al Toisón.
El distintivo se compone de un collar de oro que haría las delicias de Diego el Cigala, porque discreto, lo que se dice discreto, no es. Los eslabones componen una doble "b" enfrentada y aparecen jalonados por unas piezas que simbolizan llamas de fuego. De él cuelga el vellocino áureo. Aunque su valor material (unos 50000 euros en la actualidad) sea considerable, para muchos siempre ha sido mucho más trascendente su simbolismo. Que aparezca en infinidad de retratos desde el siglo XV hasta hoy lo confirma. Además, teóricamente, el collar es de ida y vuelta. Los beneficiados con la distinción pueden lucirla en vida, pero al fallecer, la familia del difunto ha de devolver el toisón a la monarquía española. La leyenda negra dice que algunos han olvidado efectuar la devolución... Y es que para colmo los collares están numerados. Actualmente las personas que pueden portar el emblema no llegan a la veintena, pero ¿cómo conseguir uno? El monarca español es el Gran maestre y quien decide las personas que merecen el reconocimiento en función de los valores positivos transmitidos a la sociedad. Ahí van dos casos. Adolfo Suárez lo recibió por su papel en la transición y Sarkozy por su apoyo a España en la lucha contra ETA, pero bueno, los grandes maestres también pueden pasarlo a sus vástagos. Así lo hizo Juan Carlos I con Felipe VI y así lo ha hecho el actual rey con la princesa, aunque para su fortuna -el collar no parece muy ligero- sólo fue condecorada con un pequeño broche con la forma del ancestral carnero. |
La Orden del Toisón de Oro es una orden de caballería fundada en 1429 por el duque de Borgoña y conde de Flandes, Felipe III de Borgoña, como alianza estratégica, entre otras cosas, para defender a la Europa cristiana del avance del Islam. El Rey Carlos I de España y V del Sacro Imperio Romano Germánico, que era el Maestre de la Orden, decidió convocar la Asamblea XIX en la catedral de Barcelona en marzo del 1519 y para ello ordenó habilitar la sillería del suntuoso coro de la catedral, una de las joyas artísticas de la seo barcelonesa. Aunque la sillería gótica original del coro de la catedral de Barcelona la empezó a tallar en madera de roble el artesano Pere Sanglada en 1390, autor también del púlpito, los doseles y los pináculos fueron hechos por el escultor Michael Lochner y su discípulo Johan Friedrich a finales del siglo XV. De los años 1517-18 son los escudos conmemorativos que pintó Juan de Borgoña en los respaldos de la sillería alta y que corresponden a los caballeros, reyes, príncipes, duques, condes y marqueses de toda Europa, de la Orden del Toisón de Oro que se reunieron en Barcelona en marzo de 1519. Son escudos policromados en los respaldos de las sillas altas, cada uno correspondiente al lugar donde se sentaron los miembros de la Orden. Según cuentan las crónicas históricas, toda Barcelona se engalanó para la celebración del Capítulo del Toisón de Oro. Para conmemorar los 500 años de este acontecimiento, el Arzobispado de Barcelona ha organizado para mañana por la tarde una celebración en el que el Coro Francesc Valls, el grupo La Caravaggia y Juan de la Rubia reconstruirán una interpretación musical con los mismos instrumentos musicales de la época que se conservan en el Archivo Capitular. La celebración incluirá una conferencia de la doctora en Historia del Arte y Musicología por la Universidad de Cambridge, Tess Knighton, que explicará el significado y la importancia de la solemnidad de San Andrés en la fundación de la Orden, a partir de la ponencia: 'Carlos V y la música: Ceremonias reales en Barcelona 1519'. También habrá un concierto en el coro de la Catedral con la interpretación de las vísperas polifónicas de San Andrés, con obras de Melchor de Robledo, Bartomeu Cáceres, Josquin Des Prez, Pierre de la Rue, Pedro de Escobar, Francisco de Peñalosa y Antonio de Cabezón, una reconstrucción del canto y la polifonía que se interpretaron en la misma catedral en el siglo XVI, dirigida por Pere Lluís Biosca. |
Entre el 5–8 de marzo de 1519, se celebro el XIX capitulo de la orden en la Catedral de Barcelona. Del 2 al 4 de marzo de 1519 tuvo lugar una asamblea en la que se nombraron diez nobles españoles; el capítulo propiamente dicho tuvo lugar del 5 al 8 de marzo, en el que se eligieron cuatro miembros más (no españoles) Caballeros españoles.
Las obras del coro empezaron bajo el mandato del obispo Ramon d'Escales en 1390.
Los muros del coro fueron hechos por Jordi de Déu con ménsulas representando a profetas del Antiguo Testamento, como también en el lateral izquierdo realizó la escalera de acceso al púlpito con dos pequeñas esculturas representando la Anunciación en las jambas de la entrada a la escalera.
En el año 1394 se encargó a Pere Sanglada, escultor ya consagrado, que realizara la sillería del coro, viajó por orden del cabildo a Gerona, Elna, Carcasona y finalmente a Brujas, donde compró la madera de roble para su ejecución. Se rodeó de buenos ayudantes como Pere Oller y Antoni Canet, empezando la primera fase del coro con la sillería en cuyos medallones de los brazales y en las misericordias, es donde se concentran las más importantes esculturas. De temas variados; los religiosos son los menos representados y son las escenas de danza, juegos y música entre otras las que llaman más la atención.
Se encarga a Pere Sanglada la realización del púlpito, también de roble, de forma prismática, con un fondo arquitectónico de tracerías y pináculos donde hay quince imágenes representando entre otras a Jesucristo con San Pedro y San Pablo y otro panel de la Virgen con Santa Eulalia y Santa Catalina. En la parte inferior del púlpito hay arquerías con claves de bóveda representando las de la catedral. Se finalizó en 1403.
Años más tarde se continuó el coro con la sillería de Macià Bonafè que talló otras 48 sillas finalizando en el año 1459. Con esta obra, pasó la de Pere Sanglada a ser la sillería alta.
El alemán Michael Lochner fue el encargado en 1483 de las tallas de los doseles en forma de altos pináculos que por su muerte en 1490, tuvo que continuar su ayudante Johan Friederich Kassel, hasta el año 1497.
En 1517, el escultor Bartolomé Ordóñez realiza las mamparas para el acceso a la sillería con escenas del Antiguo Testamento y la Pasión.
Carlos I, decide que la celebración del XIX capítulo de la orden del Toisón de Oro sea en Barcelona y manda habilitar el coro de su catedral para la fecha del 5 de marzo de 1519. Joan de Burgunya fue el encargado de pintar la correspondiente heráldica en los 64 plafones de los sitiales, correspondientes a: 50 sitiales de los caballeros (entre ellos, los reyes de Francia e Inglaterra)
Joan de Borgunya o Burgunya, (1465, fallecido en 1525), fue un pintor de origen alsaciano establecido en Cataluña hacia 1510, tras pasar por Valencia, conocido también como Maestro de San Félix. Hijo de Joan de Puncts, orfebre de Estrasburgo (Sacro Imperio Romano Germánico) es posible que pasase un tiempo en Nápoles, de donde procedía el retrato de una dama del Museo de Bellas Artes de Budapest firmado «Opus Iohannes Burgundi». En Barcelona trabajó en el taller de Nicolau Credença antes de contratar, ya como maestro independiente, el desaparecido retablo de la iglesia de Santa María del Pí. En 1518 se trasladó a Gerona donde se hizo cargo del retablo de la iglesia de Sant Feliu, actualmente en el Museo de Arte de Gerona, así como del retablo de Santa Úrsula para la catedral, destruido en 1936. Se le atribuye en el Museo Nacional de Arte de Cataluña una Virgen con el Niño Jesús y san Juanito, en la que se conjugan, como en su restante obra, el detallismo y preciosismo nórdicos con la utilización de estampas italianas de Marcantonio Raimondi. El amplio paisaje de esta tabla, poblado de arquitecturas a la romana y pequeñas figuras, difiere sin embargo de lo que parece ser su estilo más característico, tal como se encuentra en las tablas de retablo de San Félix: la utilización de grandes figuras de gestualización nórdica traídas a primer plano y escalonadas con cierta incoherencia sobre fondos cercanos, para los que se sirve de una decoración italianizante tomada de estampas. La última pieza atribuida a su corpus es una "Natividad". Fue descubierta y dada a conocer por el profesor Alberto Velasco. Posteriormente fue adquirida por la Generalitat Valenciana con destino al Museo de Bellas Artes de Valencia. Pere Sanglada o Pere Ça Anglada Fue un escultor muy activo en Barcelona a finales del siglo XIV. Entre sus obras, la más importante fue la sillería del coro de la catedral de Barcelona, empezada en el año 1394 y finalizada en 1399. Le enviaron, por orden del cabildo de la catedral, a visitar otros coros por Francia y hacia el norte llegando hasta Flandes, siendo en Brujas donde compró la madera de roble que emplearía en el coro de Barcelona. Una vez de vuelta del viaje, monta un taller donde se rodea de los mejores artistas del momento en Barcelona, como Antoni Canet o Francesc Morata y algunos que actuaron como aprendices como Pere Oller o Llorenç Reixac, entre todos dejaron lista toda la sillería en cuatro años. Se le encargó también la ejecución del púlpito, todo él trabajado con arquitectura gótica y con quince imágenes en toda su circunferencia. También se puede ver en la misma catedral, la imagen yacente del obispo San Olegario, realizado en el año 1406, siendo esta su última obra documentada. Suyo es, en la fachada gótica del ayuntamiento de Barcelona, el arcángel San Rafael del año 1400. Se sabe que murió el 11 de marzo de 1408 en Barcelona. La Catedral.
La Catedral Basílica Metropolitana de la Santa Cruz y Santa Eulalia (en catalán: Catedral de la Santa Creu i Santa Eulàlia)—también llamada, en lugar de catedral, Seo— (en catalán: Seu) es la catedral gótica de Barcelona, sede de la archidiócesis de Barcelona, en Cataluña, España. La catedral actual se construyó durante los siglos XIII a XV sobre la antigua catedral románica, construida a su vez sobre una iglesia de la época visigoda a la que precedió una basílica paleocristiana, cuyos restos pueden verse en el subsuelo, en el Museo de Historia de la Ciudad. La finalización de la imponente fachada en el mismo estilo, sin embargo, es mucho más moderna (siglo XIX). Está dedicada a la Santa Cruz desde el año 599 y se añadió a partir del año 877 a Santa Eulalia, patrona de la ciudad de Barcelona (actualmente es más celebrada como tal la Virgen de la Merced que, estrictamente, es patrona de la diócesis de Barcelona, pero no de la ciudad), una joven doncella que, de acuerdo con la tradición católica, sufrió el martirio durante la época romana, al comunicar al gobernador romano de las persecuciones que sufrían los católicos. El gobernador lejos de ayudarla, la castigó por ser católica. Edificio.    El edificio consta del templo y el claustro perfectamente unidos por un mismo estilo. La catedral mide 90 metros de longitud por 40 de ancho y el jardín del claustro es de 25 metros por lado por seis de anchura de cada galería de las cuatro que lo rodean.    La catedral está formada por tres naves de la misma altura, la central el doble de ancho que las laterales; desde el falso crucero las circulares se unen en girola, pasando por detrás del presbiterio y formando un arco semicircular, donde se alojan nueve capillas cubiertas por arcos ojivales de cuatro tramos y por encima de estas capillas se encuentran los vitrales góticos que llenan de luz el ábside. Hay una galería en forma de U que está por encima de las capillas laterales y sobre esta galería y las capillas radiales de la girola dando la vuelta a toda la nave central hay un falso triforio, desde donde se pueden ver las claves de bóveda a una corta distancia. En las naves laterales hay otras 17 capillas, cubiertas por ojivas de seis tramos, con arcos apuntados en cada entrada; hay dos capillas colocadas entre cada contrafuerte con proyección interior. A estas capillas se ha de unir la capilla de Santa Lucía con entrada desde el exterior. En 1997 con motivo de la boda real que tuvo lugar se dibujaron los primeros planos completos de la Catedral de Barcelona incluyendo el claustro y las construcciones que se fueron agregando a lo largo del tiempo. |
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El retrato de Alfonso XIII como soberano de la Orden del Toisón de Oro realizado en 1908 por Ramón Casas para el Palacio de Justicia de Barcelona es un óleo sobre lienzo parte de la colección del Museo Nacional de Arte de Cataluña. Historia El retrato fue realizado en 1908 para el palacio de justicia de la capital catalana. El pintor pintó al menos un boceto del fondo de la composición que fue adquirido por Charles Deering. En el Palacio de Justicia, el retrato presidía un salón semicircular anexo al salón de pasos perdidos. En 2025 el retrato se encuentra en depósito en el Palacio de Pedralbes. Descripción. Se trata de un lienzo de grandes dimensiones (4 metros de altura por 3 de anchura) pintado al óleo. El retrato muestra al monarca de pie, a sus 23 años de edad, vestido con el hábito de la orden del Toisón de Oro en el coro de la catedral de Barcelona. El fondo del lienzo se encuentra parcialmente en penumbra en su lado izquierdo, iluminándose los sitiales de la derecha del coro en que se muestra el escudo del rey Francisco I de Francia (a cuya dinastía pertenecía Alfonso XIII) y el de Luis II de Hungría y Bohemia. Valoración. El retrato cuenta con alto sentido simbólico mostrando al rey como soberano de la Orden del Toisón de Oro, descendiente de las casas de Austria y de Borbón, y vinculándose con Barcelona eligiendo como escenario el lugar donde se celebró el capítulo de la Orden del Toisón de oro más celebre. Autor. Ramón Casas Carbó Casas Carbó, Ramón. Barcelona, 4.I.1866 – 29.II.1932. Pintor. Ramón Casas era hijo de Ramón Casas Gatell, comerciante que había conseguido enriquecerse durante una permanencia de veintiséis años en la isla de Cuba, y de Elisa Carbó Ferrer, perteneciente a una acomodada familia barcelonesa propietaria de una fábrica textil en Sant Benet de Bages. Desde muy joven, Ramón Casas encontró todas las facilidades para poder aprender las técnicas pictóricas, actividad artística en la que se inició a través de interesantes retratos realizados a sus familiares. Después de una corta estancia en la Escuela Carreras, del barrio barcelonés de San Gervasio, los padres aceptaron que el joven artista abandonara los estudios para iniciar su carrera pictórica en el taller de Joan Vicens (1820-1886), célebre pintor y retratista que gozaba de un considerable prestigio. En octubre de 1881, la revista L’Avenç publicó por primera vez uno de sus dibujos que se titulaba Records d’altre temps y tenía como tema un rincón del claustro de Sant Benet. Ramón Casas no aceptaba seguir reglas establecidas que frenaran o limitaran la expresión de su genio, por lo que no es extraño que a finales de octubre de 1881 se dirigiera a París, dando comienzo así a una relación con la capital francesa que se prolongaría a lo largo de toda su vida. El joven pintor se inscribió en el taller de Carolus Duran, ferviente admirador de Velázquez, y ya en 1883 su predisposición personal, su curiosidad y su talento fueron reconocidos cuando el jurado del Salon des Champs-Élysées aceptó su Autorretrato. En octubre de 1883, Casas viajó a Granada, donde pasó unos meses acompañado por el pintor Laureà Barrau. En marzo de 1884, finalizada su estancia en Andalucía, regresó a París. A finales de noviembre se encuentra en Barcelona acompañado de uno de sus amigos franceses, el pintor Maurice Lobre. En enero de 1885 los dos amigos viajaron a Madrid, lo que supuso para ambos artistas la posibilidad de conocer directamente la pintura de Velázquez. Casas pasó una larga temporada en Barcelona. El año de la Exposición Universal de Barcelona, 1888, supuso un momento crucial para su evolución artística. En febrero de 1889, dos retratos presentados en la Sala Parés ponen de manifiesto la amistad que había entre Ramón Casas y Santiago Rusiñol: Casas pintó a Rusiñol y Rusiñol pintó a Casas. Poco más tarde, en junio, los dos artistas realizaron un viaje en carro por Cataluña. En 1890 se inauguró la Primera Exposición Rusiñol- Casas-Clarasó. En 1891, Casas se estableció junto a Rusiñol en un piso del barrio de Montmartre de París, lugar que se convirtió en escenario habitual de sus cuadros, principalmente el Moulin de la Galette. Sus obras se mostraron en diversos salones parisinos y en la Exposición Universal de Berlín. A finales de septiembre de 1891, acompañado por otro destacado pintor, Eliseu Meifrèn, Casas pasó unas semanas en Sitges con la intención de plasmar en sus cuadros la luz del lugar, cogiendo principalmente como escenario los patios típicos de las casas y paisajes a pleno sol. Las obras que pintó en Sitges y sus alrededores se presentaron en la Segunda Exposición Rusiñol-Casas-Clarasó, organizada en octubre de 1891 en la Sala Parés de Barcelona. Se trata de cuadros en los que la influencia de la Escuela Luminista se hace más que patente: Marina, Migdia a Sitges, En un patio, Camino del Vinyet y Camino antiguo de Vilanova. En agosto de 1892, con motivo de la Primera Exposición de Bellas Artes de Sitges, Casas presentó un conjunto de obras pintadas en la misma línea, donde la luz continuaba siendo el primer objetivo a captar. En esta exposición, que fue considerada como la Primera Fiesta Modernista, Casas aportó obras como: Patio del Vinyet I, Patio del Vinyet II, Camino del Vinyet, Efecto de sol, Estudio, Camino soleado, Un muro y Efecto de Gris. A partir de 1893, Ramón Casas continuó experimentando con diferentes temas y nuevas soluciones formales y compositivas. El 10 de febrero de 1893 se inauguró la Tercera Exposición Rusiñol-Casas-Clarasó. A principios de 1893 participó en los Salons des Beaux Arts de París y en la Exposición Universal de Chicago. Durante este año, Casas decidió instalarse definitivamente en Barcelona, sin dejar de viajar a París los meses que estaban abiertos los salones. Con su nueva situación personal, la temática de sus obras sufre un giro. Los paisajes y ambientes parisinos dejan paso a una temática distinta como son los bellos y sensuales desnudos de mujeres. Estas obras evolucionaron de un tipo de mujer joven e ingenua a unos cuerpos que denotaban el conocimiento, el deseo y la tentación. Para estas últimas se inspiró en las formas de Rodin. Ramón Casas, como cualquier otro ciudadano catalán, vivía inmerso en los problemas sociopolíticos que conmovían la tranquilidad de aquella época. Por todo ello no es de extrañar que Casas pintara la ejecución de una sentencia de muerte, Garrote vil (1894), Embarque de tropas a Cuba (1896) o Salida de la procesión de Santa María del Mar (1898), obras que consolidaban su prestigio como pintor de temas de historia contemporánea. Durante aquellos años, Casas intensificó su interés por las “chulas”. En la exposición que organizó el Círculo Artístico en marzo en la Sala Parés, presentó obras de esta temática. En 1896 mostró en la Sala Parés dos retratos de figuras femeninas vestidas con mantón de Manila y un pañuelo en la cabeza. Además, en el Salon du Champ de Mars de París presentó A los toros (1896), con una elegante “chula” que consiguió llamar la atención de los aficionados. El 12 de junio de 1897 se inauguró, en la calle de Montsió de Barcelona, el local llamado Els Quatre Gats. La idea surgió de Miquel Utrillo, que viendo a Pere Romeu sin trabajo, pensó que éste poseía las condiciones necesarias para llevar a cabo la misma función que desarrollaba Rodolphe Salis en Le Chat Noir de París. La ayuda económica para el proyecto procedió del banquero Manuel Girona, del comerciante Martínez Ardéniz y del propio Casas. Els Quatre Gats se convirtió en un centro cultural donde se organizaban exposiciones y veladas literarias, encuentros artístico-musicales y espectáculos de sombras chinas y marionetas. Para anunciar los actos y dar a conocer la cervecería se utilizaron carteles dibujados por Casas. A estos carteles seguirían los destinados a promocionar el Anís del Mono o el cava Codorniu, obras con las que Casas consiguió un lugar preeminente y consolidado en el campo de los carteles. En 1899 salió la revista Pèl i Ploma, en la que Casas publicó dibujos y óleos con la voluntad por parte de Utrillo y Casas de ampliar y enriquecer el panorama artístico barcelonés. La última publicación patrocinada por Casas fue la revista Forma, que apareció a finales de febrero de 1904 y que dejó de editarse en diciembre de 1907. A los treinta y tres años, Ramón Casas sintió la necesidad de plantearse una obra que demostrara su capacidad para enfrentarse a problemas pictóricos de difícil solución. Por esta razón decidió pintar una composición de gran formato: La carga (1899). Laobra se expuso por primera vez en el Salon des Beaux Arts de 1903, con el título de Barcelona 1902, haciendo referencia así a las insurrecciones y conflictos sociales que se produjeron aquel año en la ciudad. A principios de marzo de 1900, Casas volvió a pasar una larga temporada en París, donde permaneció hasta finales de octubre del mismo año. El ambiente parisino le motivó, e hizo que plasmara su esencia en las páginas de Pèl i Ploma. El mes de octubre, el pintor realizó un viaje a Londres acompañado por Miquel Utrillo. En este período no se sintió atraído por el ambiente bohemio; el motivo central de sus composiciones fueron las figuras femeninas modernas, jóvenes y elegantes, que lo llevaron poco después a decorar el salón de los fumadores del Círculo del Liceo, magnífico conjunto pictórico finalizado en junio de 1902. En enero de 1904, Casas pasó una larga temporada en Madrid, período que aprovechó para copiar cuadros del Museo del Prado. Durante aquel tiempo pintó el retrato de Alfonso XIII, así como realizó una serie de retratos al carbón de destacados personajes de la sociedad y cultura españolas, como Benito Pérez Galdós, Àngel Guimerà, Enric Morera, Chicharro, Muñoz Derain. Aquel año consiguió la primera medalla en la Exposición Nacional de Madrid de 1904, con La carga. Es en 1905 cuando Casas empieza a pintar una nueva serie de figuras femeninas envueltas en mantones de Manila o cubiertas por “toreras”. En comparación con las “chulas” de 1896-1898, estas mujeres ofrecen un aspecto más artificial y pintoresco, debido a los elementos añadidos por el pintor (sombreros, mantones, lazos o joyas). Durante aquel año, Casas presentó el retrato de Alfonso XIII en el Salon des Beaux Arts de París y en la exposición organizada en el patio del Ministerio de Madrid, junto a sesenta retratos de la sociedad madrileña. A la edad de cuarenta años, Casas conoció a Julia Peraire Ricarte, de dieciocho años, y sin preocuparle en absoluto la oposición de su familia, la convirtió en su modelo, en su compañera y, en 1922, en su esposa. Ya desde el inicio de la relación Julia se convirtió en la figura principal de la mayoría de sus carteles y retratos. Casas encontró, en la belleza y la frescura de su compañera, el gran aliciente de sus obras, llegando a realizar bellos retratos de mujer, llenos de fuerza y sensualidad. Fruto de la inspiración que la modelo le sugería son obras como La Sargantain (1907) o Retrato de Julia (1908). En 1908, Ramón Casas realizó otro retrato de Alfonso XIII, pero esta vez lo presentó como gran maestro del Toisón de Oro. Ofreció a la Junta de Museos su colección de retratos de personalidades catalanas. A finales de octubre, Casas viajó a los Estados Unidos invitado por el millonario americano Charles Deering, al que había conocido en 1903. Aquella estancia se alargará seis meses que le valieron para visitar Nueva York, Washington, Pasadena, Los Ángeles, Miami y Cuba. El 20 de abril de 1909, Casas regresó a Europa; primero pasó unos días en París y después volvió a Barcelona. Pocos meses después de su regreso a la Ciudad Condal, Casas recibió la visita de Charles Deering quien, con la idea de visitar diversas poblaciones catalanas, viajó en coche desde París. Una de sus primeras visitas fue Sitges. Deering quedó tan enamorado de la población que decidió construirse una residencia para poder pasar allí algunas temporadas de descanso. Con esta finalidad, y seguramente influenciado por el Cau Ferrat de Rusiñol, el industrial americano decidió comprar varias casas de pescadores y el antiguo hospital de San Juan para transformarlos en su residencia, conjunto arquitectónico que se conoce con el nombre de Maricel. Entre 1910 y 1914, acompañado por su amigo Deering, Ramón Casas realizó diversas estancias por ciudades europeas. A finales de octubre de 1910 visitaron París. En julio de 1911 se encuentran en Holanda, donde se interesaron por la obra de Frans Hals, y en septiembre del mismo año viajaron a Italia. En verano de 1912, Casas viajó a Madrid junto con un grupo de amigos, entre los que se encontraba Deering, con la intención de comprar muebles para el Maricel. En 1914, tras una estancia de Deering en América, los amigos se reencontraron en Biarritz, desde donde emprenderían un viaje a Sevilla y a Madrid. A finales de 1910, Casas inició una segunda versión de su obra La carga, pieza destinada a la colección privada de Deering y para la que el artista elige la plaza de Vic como escenario de la acción. Sin dejar de retratar a Julia, el pintor escogió una nueva modelo, una joven morena de grandes ojos oscuros, prototipo de la mujer española, conocida como Carmencita. Las obras que esta modelo inspiró, Verano (1912), Mujer con mantón y sombrero cordobés (1912-1914) y Carmencita (1914), entre otras, muestran las preferencias artísticas de aquellos. Casas juega con los recursos de los flecos, los abanicos y los mantones; escoge armonías que consideraba seguras, pohaberlas cultivado en años anteriores, y unas gamas cromáticas inspira El día 10 de noviembre de 1912 murió Elisa Carbó, madre de Ramón Casas, que le dejó de herencia el monasterio de Sant Benet de Bages. Un año más tarde inició los trabajos de restauración de aquel interesante conjunto arquitectónico, lugar lleno de encanto cuyo claustro e interiores se convertirán, a partir de aquel momento, en escenarios habituales para la obra de Casas. En la Exposición Conmemorativa del 25 Aniversario de la primera exposición conjunta Rusiñol-Casas-Clarasó, en 1915, se presentaron obras realizadas aquellos años. Otra noticia interesante se produce en el mes de marzo de 1917, cuando un gran número de artistas catalanes solicitaron al Ayuntamiento de Barcelona la organización de una exposición de creadores franceses. El día de la clausura de la muestra, y en señal de reconocimiento por parte de Francia, Casas fue nombrado miembro de la Legión de Honor francesa. Otro de los lugares que mereció la atención pictórica de Casas fue el castillo de Tamarit, que había sido adquirido por Deering. Casas fue el encargado de convertirlo en una residencia habitable. De su estancia en Tamarit surgen un buen número de paisajes que serán presentados en diversas exposiciones. Durante aquellos años, y hasta el final de su vida, tanto la producción de retratos como su participación en certámenes y exposiciones resultaron ser muy fructíferas. En 1921, Rusiñol, Casas y Clarasó volvieron a exponer juntos y decidieron que lo harían cada año. Y así fue, hasta que aquella tradición terminó con la muerte de Rusiñol en 1931. Demostrando una vez más su amistad con Charles Deering, en 1923 Casas viajó a Miami para visitar a su amigo, que estaba enfermo y muy cansado. Repitió aquella visita un año más tarde, esta vez acompañado por su mujer. El viaje duró dos meses, de marzo a mayo, y la pareja viajó a Miami, Boston y Chicago. Al igual que ya había hecho muchos años antes en sus viajes de juventud, Ramón Casas aprovechó la estancia en tierras americanas para realizar retratos de amigos de Deering, el cual moriría en 1927. El 14 de junio de 1930 se inauguró, en el salón de la Reina Regente del Palacio de Bellas Artes, una exposición- homenaje a Ramón Casas, organizada por el Real Círculo Artístico. En aquella muestra se pudo ver una importante selección de obras en las que se representaban las distintas etapas de la producción del artista, incluidos diversos retratos al carbón. Ramón Casas ya estaba enfermo. Su salud no mejoró, y a las ocho de la tarde del 29 de febrero de 1932, llegó a su fin la vida del gran pintor. Ramón Casas Carbó moría en Barcelona, ciudad en la que sería enterrado a las once de la mañana del día 2 de marzo. Con la muerte de Casas desaparecía un artista plenamente reconocido y admirado que contribuyó a dar una categoría universal a la pintura española. Obras
Bibliografía
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